Les débuts:
L’origine du groupe remonte à 1996 lorsque Mickaël Furnon alias Mickey, guitariste du groupe principalement anglophone 3Dk créé en 1988, se lance dans un projet solo en français qu’il baptise Mickey 3D. Il enregistre ainsi seul et parallèlement à 3dK deux cassettes démos sur deux ans, avant d’être rejoint en 1997 par Aurélien Joanin dit Jojo avec qui il enregistre une troisième démo. Les deux compères se débrouillent avec les moyens du bord, en bricolant du son avec des synthétiseurs modestes et quelques pédales d’effets pour des guitares dans la salle de répétition mise en place à Écotay-l'Olme (près de Saint-Étienne) par leur association Keup On' Family.

La séparation de 3dK en 1998 les conduira à faire passer au premier plan ce qui n’était pour eux qu’un projet B et à envisager l’enregistrement d’un véritable album. Cet album, compilation des meilleurs morceaux des démos augmentée de quelques inédits, sortira en 1999 chez le petit label Premier Disque géré par leurs amis de la radio locale Radio Dio. Son nom : Mistigri Torture.

La percée:
Le duo devient rapidement populaire dans la région de Saint-Étienne, principalement en assurant de nombreux concerts locaux, qui les font très vite remarquer. Deux événements déterminants vont alors se produire. D'un côté leur rencontre avec le groupe Louise Attaque, qui les fait passer en première partie de ses concerts ; de l'autre leur signature chez le label Virgin, qui ressort leur premier album en 2000 avec une plus large distribution et un premier single, La France a peur. Ceci permet alors au groupe de percer, davantage pour le choix des mots que pour sa musique ; il s’impose ainsi comme l'un des dix meilleurs groupes français. Les textes sont caustiques, dénonçant les travers de la société, et ne cherchent pas à faire de concessions.

Après un certain nombre de représentations en France, le duo devenu trio avec l'arrivée de Najah aux claviers se remet à l’ouvrage en 2001. Il écrit les quatorze nouvelles chansons du deuxième album La Trêve dont les textes sont toujours simples et vont droit au cœur. Deux maxis vont l'accompagner. Le groupe réussit le pari de se professionnaliser (ils sont intermittents du spectacle depuis 2000) tout en gardant le côté "bricolage" de l'autoproduction (certains morceaux sont encore enregistrés dans la chambre de Mickey).

Le succès:
En 2002, le tube J'ai demandé à la Lune que Mickaël écrit pour Indochine fait se braquer les projecteurs sur le groupe. De nombreuses propositions de collaborations suivront. Du 19 au 23 décembre 2002, le groupe fait la première partie de Renaud au Zénith de Paris.

En 2003, Respire, un morceau militant à connotations écologistes, est la chanson qui les propulse sur le devant de la scène. L'album Tu vas pas mourir de rire dont il est extrait, noir et pessimiste à l'image du single, se vend à 350 000 exemplaires. S'en suit une tournée triomphale immortalisée par la sortie d'un CD-DVD Live à Saint-Étienne contenant l'inédit Johnny Rep, hommage au joueur de l'A.S. Saint-Étienne.

Après cette chanson, le groupe garde son style originel, avec le même type de fond sonore, de vocabulaire, et de philosophie sur la vie : le compositeur habille toujours du même cynisme les sujets qu'il aborde ; en juin 2005, le dernier album Matador apporte cependant un ton plus musical et plus léger. Il renforce la fidélité d'un public qui lui est désormais propre : les ventes égalent presque celles du précédent opus. Le groupe présente ses nouveaux morceaux dans la foulée lors d'une tournée-fleuve qui s'étend de l'été 2005 à l'été 2006.

En 2007, le groupe marque une pause, ses membres se consacrant à leurs différents projets annexes, dont un album solo pour Mickey.

Alain Bashung est envoyé à l'âge de un an dans les environs de Strasbourg, à Wingersheim, chez ses grands-parents. Il passe ainsi son enfance à la campagne dans un milieu plutôt conservateur. À cinq ans, il découvre la musique, notamment celle de Kurt Weill, grâce à la pratique de l'harmonica.Il est en outre enfant de chœur à Wingersheim, où il pratique aussi le basket-ball et le cyclisme. À l'école, Alain est un enfant sérieux.

En 1959, à l’âge 12 ans, il est de retour chez ses parents, installés à Boulogne-Billancourt.
A Paris, il découvre les grandes figures de la chanson française puis, à la radio, le rock américain de Gene Vincent, Buddy Holly ou Elvis Presley.

A 16 ans, parallèlement à ses études de comptable, il monte un groupe avec son ami Mike Larie (futur collaborateur de Patrick Sébastien) et des copains rencontrés lors d'un séjour estival à Royan: Les Dunces (cancres en anglais). Ils sont engagés pour l'été dans une brasserie sur la Côte et jouent des reprises en acoustique dans un style country-folk comme en témoigne le seul concert enregistré en 1964 et organisé par la jeunesse ouvrière chrétienne. Ils interprètent entre autre dans une ambiance enthousiaste "Santiano" (Hugues Aufray), "Big rock candy mountain" de The Highwaymen, et "This train" de Ken Colyer, le tout chanté en yaourt. Ils tournent ensuite dans des M.J.C et certains patronages, puis dans des bases américaines, dont celles de Fontainebleau, Chinon, et Dreux.

En 1965, son BTS de comptabilité en poche, il travaille au service financier de Pechiney-Rhône-Poulenc où il est payé 300 francs par mois. Puis, début 1966, il découvre les Coasters, Four Tops, Marvin Gaye, Ben E.King , Sam Cooke, Nat King Cole et Jimi Hendrix. Il prend sa guitare et s'installe définitivement à Paris où il chante dans des boîtes.

En Juillet 1966 Alain Baschung signe la musique de "Moi je préfère ma poupée" pour la chanteuse Pussy Cat ( Pendant exactement 10 ans, il collabora aux disques de nombreux chanteurs français en tant que compositeur .).

En octobre 1966, il est remarqué par un directeur artistique de chez Philips, il enregistre alors son premier 45 tours: Pourquoi rêvez-vous des Etats-Unis ? et quelques titres restés dans les archives de la maison d'édition Philips: "T'es vieux, t'es moche", "Oh Linda", "Sauf en plus petit" et "Tu dis toujours" sous le nom de Baschung.

Il compose aussi quelques titres pour des vedettes de l'époque comme Noël Deschamps, mais ne parvient pas à rencontrer le succès.

1er juin 1967: Il est à l'affiche du Festival de Pop Music, au Palais des Sports de Paris, présenté par le Président Rosko. Il y chante trois morceaux, en ouverture de Herbert Léonard, Ronnie Byrd, des VIP's, des Walker Brothers, des The Pretty Things, de The Troggs et des Cream, entre autres.

En 1968, "Chère petite chose" atteint la 28ième place du hit-parade de Salut les Copains. Pour son cinquième disque "Les romantiques" (décembre 1968), Baschung (qui refuse encore que son prénom apparaisse sur la pochette) abandonne le "c" de son nom et devient Alain Bashung. Il participe à sa première télévision en avril 1969 dans le célèbre Discorama de Denise Glaser.

En 1973, il interprète Robespierre dans la comédie musicale ''La Révolution française'' de Claude-Michel Schönberg et travaille pour un petit label discographique, La Compagnie. Il rencontre le rocker français, ex-chanteur des Chats Sauvages, Dick Rivers. Il devient son homme à tout faire, compositeur, musicien, producteur, et apprend toutes les ficelles du métier. De cette collaboration naît l’album The Rock Machine en 1972.

En 1975, il enregistre un 45 Tours sous le pseudonyme de David Bergen ("Je ne croirai plus jamais à l'amour"), puis 2 autres sous le pseudonyme d'Hendrick Darmen dans le groupe Monkey Bizness.

Il rencontre le musicien Andy Scott et l'auteur Boris Bergman, avec qui il signe en 1977 son premier album innovant, Romans photos, qui est un échec commercial dans le contexte de la déferlante punk.

Il poursuit en 1979 avec Roulette russe, un album très sombre et plus rock qui contient le titre Gaby, oh Gaby, avec lequel Bashung connaît enfin le succès, en 1980.

Il confirme son talent auprès de la critique musicale et du public en 1981, avec son album très rock Pizza qui lui permet, avec le titre Vertige de l'amour, d'entamer une tournée dans de grandes salles, notamment à l'Olympia à Paris.

En 1982, Bashung collabore avec Serge Gainsbourg sur l'album complexe Play blessures, qui ne rencontre pas un grand succès commercial.

En 1983, il déconcerte son public avec un album très original, Figure imposée. En 1985, il revient avec des titres très efficaces écrits pour SOS Racisme.

En 1986, il sort Passé le Rio Grande, qui obtient la Victoire de la Musique de l’album de l’année . Cet album sera suivit de Novice, sortit en 1989, année de transition pour ce qui concerne son parolier.

En 1991 sort l'album Osez Joséphine qui contient aussi quelques reprises de classiques rock américain. Il élargit son public et l'album se vend à 350 000 exemplaires.

En 1994, il poursuit avec Chattertonr, pour lequel il collabore avec divers artistes (Sonny Landreth, Ally McErlaine, Link Wray, Marc Ribot et Stéphane Belmondo), qui est lancé par le titre Ma petite entreprise. Il entame une tournée de deux ans qui aboutit sur un album live en 1995, Confessions publiques.

À partir de 1994, Bashung se consacre davantage à sa carrière de comédien débutée en 1981, notamment dans ''Ma sœur chinoise'' de Alain Mazars.

En 1998, il revient à la musique avec Fantaisie militaire, en collaboration avec Jean Fauque, Rodolphe Burger, Les Valentines, Jean-Marc Lederman, ainsi qu’Adrian Utley, guitariste du groupe anglais Portishead. Les arrangements de cordes sont l’œuvre de Joseph Racaille. Ce disque est récompensé, en 1999, par trois Victoires de la Musique : du meilleur album, du meilleur clip pour La nuit je mens, réalisé par le cinéaste Jacques Audiard, et de l’interprète de l’année. Et, en 2005, une Victoire spéciale du meilleur album des vingt dernières années.

En 2000 sort Climax, une compilation de duos inédits avec Noir Désir, M, Rachid Taha, Rodolphe Burger…

Il sort en 2002 L'imprudence, album acclamé par la critique. Il enregistre la même année le Cantique des cantiques avec son épouse, la comédienne et chanteuse Chloé Mons : ils avaient créé ce titre à l'occasion de leur mariage en 2001, sur une musique de Rodolphe Burger et sur la base d'une nouvelle traduction du Cantique des cantiques de la Bible par l'écrivain Olivier Cadiot.

En 2004, paraît un double album live, La tournée des grands espaces.

En 2005, pour la vingtième édition des Victoires de la musique, il est consacré par la Victoire du meilleur album de ces vingt dernières années, pour Fantaisie militaire.

Début 2007, il sort de sa pause et participe à la tournée Les Aventuriers d'un autre Monde avec Jean-Louis Aubert, Cali, Daniel Darc, Richard Kolinka et Raphael.

Il s'offre également deux soirées à la Salle Pleyel de Paris et apparaît sur l'album La Mécanique du coeur de Dionysos.

Alain Bashung apparaît dans J'ai toujours rêvé d'être un gangster de Samuel Benchetrit où il joue une scène mémorable (et sans avoir appris le moindre texte) avec le chanteur Arno.

En 2008, il chante L.U.V. en duo avec Daniel Darc sur l'album de celui-ci, Amours suprêmes. Il proposera également une création, "L'Homme à tête de chou", autour de Serge Gainsbourg.

Le 24 mars 2008, Bashung sort l'album Bleu pétrole, collaborant notamment avec Gaëtan Roussel de Louise Attaque, Arman Méliès et Gérard Manset, dont il reprend la chanson Il voyage en solitaire qui conclut l'album.
Bleu pétrole vaut à Alain Bashung le titre d’artiste le plus primé dans l’histoire des Victoires de la Musique : début 2009, il obtient en effet la Victoire du spectacle musical de l'année, de l'artiste interprète masculin et celle de l'album de chanson.

Il entame ensuite une tournée et est notamment programmé dans plusieurs festivals. Le 10 juin 2008, il commence une série de récitals à l'Olympia malgré une chimiothérapie en raison d'un cancer du poumon. Son parolier depuis 20 ans, Jean Fauque, a annoncé qu'un nouvel album pourrait voir le jour rapidement.

Programmé en concert au Palais d'Auron le 24 avril, dans le cadre du Printemps de Bourges 2009, il décéde le 14 mars à Paris avant cette échéance.

Le site officiel: http://www.bashung.fr

Premier album le 1er juin

Pas la peine de faire de la pop si on n’est pas inspiré, pas la peine de faire du rock si on n’a pas de chanson. Mais si les chansons sont aussi inspirées et immédiates que celles qui figurent sur ce premier album d’Archimède, alors il va falloir compter avec ce groupe de Laval, mené par deux frères pour qui pondre un tube semble être aussi naturel que dire « bonjour », et je dis ça si on dit « bonjour » naturellement bien sûr. Mais surtout pour dire qu’il va maintenant falloir compter avec le rock de Laval, et ça c’est vrai qu’on ne s’était pas fait à l’idée.

Laval pour beaucoup, ça restera la ville dont on peut lire le nom dans les deux sens. Mais c’est là surtout que Nico et son frère Fred ont commencé à écrire des chansons il y a quelques années avant de se baptiser Archimède, pour se donner un côté scientifique grec. En interview, la faute au temps que ça prend pour sortir un album, ils diront probablement que « cette dernière année, ils ont dû s’enfermer en studio afin de peaufiner les chansons de leur premier disque, pour les parfaire ». La vérité, c’est que les mélodies, les paroles, bref tout ce qui fait le corps et le parfum des chansons, était là dès le début. Les titres passent alors entre des mains expertes (celles de Philippe Paradis à la réalisation, d’Yves Jaget à la prise de son, de Jeff Delort au mixage et enfin de Stephen Marcussen pour le mastering), travaillant toutes à rendre l’ensemble le plus organique possible, en restant fidèles au relief des chansons. Le tout a été galvanisé par l’enregistrement live au studio Vega sur « la fameuse console avec laquelle ont enregistré les Stones ». Et quand l’écriture et l’interprétation d’une chanson sont une affaire de frangins, l’histoire du pop-rock a montré que ça valait souvent la peine qu’on s’y arrête (des Beach Boys aux Sparks en passant par les Breeders ou les Kings of Leon plus récemment). C’est normal, le public aime les bonnes chansons ; et pour une raison qu’on ignore, écrites par deux personnes du même sang, elles n’en sonnent souvent pas moins pertinentes.

Une fois composées, les chansons de Nico et Fred sont confiées à Archimède-le-groupe, soit augmenté de Cord’ à la basse et aux claviers, de Tess à la batterie, et de Guillaume à la guitare. On ne sait alors par quel tour de passe-passe les titres prennent une corpulence rock aux contours boogie qui donne parfois l’impression qu’Archimède ressuscite et modernise un son yéyé qu’on croyait bon pour les oubliettes (« Eva et les autres », « Vilaine canaille »). Il y a du rock chez Archimède, à n’en pas douter, mais surtout la propension aussi pour le tube instantané (« L’été revient », « L’amour PMU ») et le talent pas donné à tout le monde, de jouer des ballades pop matures sans en faire des tonnes (« A l’ombre », « Au diable Vauvert »).

Une simple écoute du disque permet de comprendre d’un coup le talent des frères, l’aisance insolente avec laquelle Nico et Fred synthétisent les connections pop franglo-saxonnes, de Nino Ferrer aux frères Gallagher, des Beatles à Jacques Dutronc. Chanter en français chez Archimède ce n’est pas un obstacle, c’est un atout. C’est assez rare pour qu’on en fasse état : il n’y a qu’à allumer la radio pour se rendre compte à quel point c’est un exercice périlleux, auquel beaucoup s’adonnent à un âge pourtant assez jeune pour penser une reconversion. On n’en voudra pas à Nico, rocker Gavroche, d’écrire une prose qui jongle avec une telle facilité sur l’exercice de style et les allitérations, jouant de la syllabe comme d’un instrument à part entière qui complète, on ne sait comment mais idéalement, l’écriture pop de son frère. On se surprendra forcément parfois à vérifier le livret pour être bien sûr que dans « À l’Heure H », la phrase qu’il chante est bien : « Même les nonnes/Assailliront la scène/Presque Aphones/Quand l’heure, quand l’heure, quand l’heure H aura sonné ». Vous n’aurez pas fini d’examiner le sens des mots que vous serez déjà en train d’en fredonner inlassablement le refrain, pour le simple plaisir de faire rebondir des syllabes en bouche.

On croit ou on ne croit pas en Dieu mais on est obligé de croire en une bonne chanson, dont la vertu est de tout dire en trois minutes, de réduire l’espace, le temps, l’amour et la mort à un judicieux équilibre de couplets-refrain. Elle apporte des réponses à des questions qu’on ne se posait pas forcément, elle rend l’air plus respirable. Elles sont au nombre de onze sur ce premier disque d’Archimède. No filler, comme disent les Anglais. 11 raisons de repenser Liverpool comme capitale de la Mayenne, ou Laval comme le nouveau berceau du songwriting pop-rock français.

À seulement 16 ans, la jeune chanteuse ose s’attaquer à des chansons comme What a Wonderful World de Louis Armstrong et Quelqu’un m’a dit de Carla Bruni… et elle réussit !

Fan du film “Moulin Rouge”, Camélia joue de la guitare et rêve de chanter avec Amy Winehouse… Elle s’intéresse aussi à la photographie et au cinéma.

Son premier single Non Non Non est sorti sur iTunes le 29 janvier 2010. Il est issu de son premier album éponyme commercialisé le 29 mars.

Le 1er single et l'album se sont classés #1 sur iTunes France dès leur semaine de sortie officielle grâce à la promo au Grand Journal sur Canal +.

En 2008, il participe à l'écriture des chansons et à la production du dernier album d'Alain Bashung, Bleu pétrole, récompensé en 2009 aux victoires de la musique. Il a composé la musique du film Louise Michel de Benoit Delépine et Gustave Kervern. Gaëtan Roussel a également écrit pour Rachid Taha et Vanessa Paradis.

En 2009, il se lance dans une carrière solo. Son premier album solo, dont le premier single "Help Myself (Nous Ne Faisons Que Passer)" est déjà diffusé sur les ondes radios françaises. Il est aussi disponible en écoute gratuite sur Internet et sortira le 1er Mars 2010.

Elle naquit dans le New Jersey en 1985. Polytraumatisée avec lésions cérébrales sévères à la suite d'un accident, à l'âge de 19 ans, elle se remet grâce à la musicothérapie. C'est sur ce lit d'hôpital que naquirent ses chansons.

Discographie
* Some Lessons - The Bedroom Sessions, 2005
* Worrisome Heart, 2008
* My One And Only Thrill, 2009
* The Absence, 2012

Bel oiseau originaire de Philadelphie, dont l’envol a été contrarié par un accident de la circulation, mais qui s’en est sorti en enregistrant, durant sa convalescence, un premier 6-titres tombé du ciel (Some Lessons : The Bedroom Sessions), puis ce Worrisome Heart qui a illuminé le printemps des amateurs de jazz vocal en 2008, Melody Gardot se permet, cette fois, la totale. Tandis que son premier album brillait par un côté intimiste qui a contribué à faire d’elle, le temps d’une saison, un des secrets les mieux gardés du show-biz, My One And Only Thrill a tout d’un voyage en “sonoroscope”. Truffé de compositions originales envoûtantes que Melody a tenu à signer et auxquelles l’arrangeur pour cordes et orchestre Vince Mendoza donne un relief étourdissant, ce second CD la voit évoluer entre les fantômes de Peggy Lee et Frank Sinatra, à supposer que ces derniers aient enregistré avec Bernard Herrmann. Grave et empreinte de nostalgie, la chanson-titre est le miroir dans lequel se reflètent toutes les autres, et notamment cette reprise d’Over The Rainbow que Melody rehausse d’une subtile touche latine qui caractérise également ce disque à donner le frisson.
Melody Gardot est un chanteuse de jazz américaine née le 2 février 1985. Influencée par des artistes comme Janis Joplin, Duke Ellington ou Judy Garland, elle sort son premier album Worrisome Heart en 2008, salué par la critique, c'est un succès du genre. En 2009, elle sort son deuxième album My One And Only Thrill qui est un succès mondial : il sera numéro 1 en Suède, 4 en France et Allemagne et sera plusieurs fois disques de platine. Un véritable miracle quand on connait l'histoire de Melody : en 2003, alors qu'elle fait du vélo, elle se fait renverser par une jeep. Gravement touché, elle devra restée plus d'un an couchée dans son lit et devra réapprendre des geste quotidiens comme se laver les dents ou marcher par exemple. Autres effets,elle est désormais hyper sensible au son et la lumière, c'est pourquoi elle porte toujours des lunettes de soleil. Elle a aussi des problèmes de mémoires. Malgré tout, Melody, à force de travail et de souffrance, réussit à retrouver une vie presque normale, notamment grâce à la musique. Composer va l'aider à retrouver les capacités de son cerveau, elle va aussi apprendre à jouer de la guitare. Sa carrière est lancée.

Fils de Pierre Nougaro, chanteur d'opéra et de Liette Tellini, professeur de piano italienne (et premier prix de piano au conservatoire), il est élevé par ses grands-parents à Toulouse, où il écoute Glenn Miller, Édith Piaf et Louis Armstrong (entre autres) à la radio. En 1947, il échoue au baccalauréat, et débute alors à Paris dans le journalisme, en écrivant pour divers journaux, dont Le Journal des Curistes à Vichy et L'Echo d'Alger. En parallèle, il écrit des chansons pour Marcel Amont (Le Barbier de Belleville, Le Balayeur du roi) et Philippe Clay (Joseph, La Sentinelle). Il rencontre sur place Georges Brassens, qui devient son ami et son mentor, écrit de la poésie.

Il commence à chanter pour gagner sa vie en 1959 dans un cabaret parisien, le Lapin Agile, à Montmartre.

En 1962, il décida de chanter lui-même ses œuvres : Une Petite Fille et Cécile ma fille (dédiée à sa fille, née en 1962 de sa femme Sylvie, rencontrée au Lapin Agile). Ces chansons le firent immédiatement connaître du grand public, bien qu'il ait déjà commencé à percer en participant aux concerts de Dalida. Au début des années 60, il introduit de nouveaux rythmes dans la chanson française et compose de nombreuses chansons au tempo yéyé et aux textes provocateurs ("Plus encore que dans la chambre, je t'aime dans la cuisine. Rien n'est plus beau que les mains d'une femme dans la farine"…)

Un accident de voiture l'immobilise plusieurs mois en 1963. L'année suivante, il part en voyage au Brésil, et chante dans des salles prestigieuses : l'Olympia, le Palais, le Théâtre de la Ville à Paris.

La mort de son ami Jacques Audiberti en 1965 lui fait écrire un hommage en chanson, Chanson pour le maçon.

Les évènements de Mai 68 lui inspirent un torrentiel Paris Mai, plaidoyer pour la vie, qui sera interdit d'antenne, bien que farouchement opposé à la politique, si je dois endosser cette guérite étroite, avec sa manche gauche, avec sa manche droite, ses pâles oraisons, ses hymnes cramoisis, sa passion du futur, sa chronique amnésie… Il enregistre la même année son premier album live à l'Olympia : Une soirée avec Claude Nougaro.

Sa chanson Toulouse est un vibrant hommage à sa ville natale, Toulouse.

Sa carrière se poursuit alors de façon régulière, ponctuée de succès : le Jazz et la Java, Tu verras, l'Île de Ré, Armstrong ou Petit Taureau. Après un album jugé décevant au niveau des résultats (Bleu Blanc Blues) en 1984, sa maison de disques ne lui renouvelle pas son contrat. Nougaro part alors pour New York, en quête d'inspiration, écrit et enregistre sur place un disque financé par WEA (le producteur éxécutif est Mick Lanaro): Nougayork, dont le succès retentissant fut une surprise ironique.

Il est récompensé en 1988 par les Victoires de la musique du meilleur album et du meilleur artiste, et de 1993 à 1997, il sort trois nouveaux albums.

Sa santé se dégrade à partir de 1995, année où il subit une opération du cœur ; en 2003, il ne peut se produire au Festival du Verbe à Toulouse en raison de son état. De 1998 à 2004, il se consacre plus à des concerts et des festivals, sans oublier de participer à un album pour aider les enfants souffrant du sida. Après avoir subi de nouvelles interventions chirurgicales début 2004, il meurt en mars, à 74 ans, des suites d'un cancer.

Ses obsèques ont été célébrées à Toulouse, en la basilique Saint-Sernin. Une partie de ses cendres a été dispersée dans la Garonne. Un jardin municipal de la ville porte aujourd'hui son nom.

Avec environ 150 millions d'albums vendus de par le monde, Genesis se classe dans les 30 artistes et groupes ayant vendu le plus d'albums de tous les temps.

Le groupe vit sa composition évoluer au fil du temps. La période initiale formée par Peter Gabriel au chant, Steve Hackett à la guitare, Phil Collins à la batterie, Tony Banks aux claviers, et Mike Rutherford à la basse fut sans doute la plus prolifique du groupe avec des compositions sophistiquées et nébuleuses.
Les albums Nursery cryme, Selling England by the pound, Foxtrot ou encore le torturé The lamb lies down on Broadway sont entrés au panthéon du rock progressif.

Naissance du groupe

Les origines du groupe Nirvana se situent à Aberdeen, Washington vers 1985 sous le premier nom de Fecal Matter. Ses premiers membres sont Kurt Cobain (guitare et voix), Dale Crover (également batteur des Melvins, ici à la basse) et Greg Hokanson à la batterie. Le groupe se sépare rapidement. Par la suite Kurt Cobain rejoint par son ami Krist Novoselic à la basse fonde plusieurs groupes éphémères avec différents batteurs dont Dale Crover qui joue sur la plupart de leurs premières démos.

Le groupe finit par prendre le nom définitif de Nirvana, avec Chad Channing à la batterie. Ils assurent plusieurs concerts et enregistrent diverses démos. Après l'enregistrement de Bleach, Channing sera remplacé par Dave Grohl. Après avoir assisté à un concert d'un groupe dans lequel jouait Dave, Kurt et Krist sont littéralement tombés amoureux de ce batteur, ils savaient en l'engageant que c'était exactement la personne dont ils avaient besoin.

Bleach

En 1989, Nirvana réalise l'album Bleach. Le titre "Bleach" a été trouvé par Kurt Cobain en voyant des affiches de prévention contre la drogue affichant "bleach your works" (nettoyez à l'eau oxygénée vos seringues), alors que le groupe effectuait une mini-tournée en Californie. Cet album se vend assez peu mais obtient un petit succès critique. Il incarne à lui seul toute la noirceur et le nihilisme des débuts du mouvement grunge avec des rythmiques lourdes et puissantes, des riffs agressifs, une guitare apocalyptique et surtout la voix impressionnante de Kurt Cobain, mais le style est encore très rapproché du punk. Néanmoins il comprend une piste qui laisse entrevoir l'aspect acoustique du groupe : About a girl, détonnant avec le reste de l'album par sa douceur, et qui sera d'ailleurs interprétée lors du MTV Unplugged in New York.

Début 1990, le groupe entre en studio afin de préparer le successeur de Bleach. Pendant ces sessions d'enregistrement, Cobain et Novoselic s'aperçoivent que Chad Channing ne correspond pas au son qu'ils souhaitent pour le groupe ; Dave Grohl rejoint alors Nirvana. Le trio signe sur la major Geffen Records après avoir été chaudement recommandé par Kim Gordon dont le groupe Sonic Youth a récemment rejoint le label.

Nevermind

Deux ans après Bleach sort le second album de Nirvana : Nevermind, au son métamorphosé par une production plus pop-rock (que Kurt Cobain affirmait ne pas avoir voulue) de Butch Vig. Nevermind est un événement majeur et assez inattendu de la scène musicale mondiale qui va entraîner une véritable folie médiatique autour des labels indépendants et du grunge. Dans le domaine musical, Alice in Chains, Pearl Jam, Meat Puppets, Soundgarden ou encore Chokebore, dont Kurt Cobain dira qu'il s'agissait du groupe qu'il estimait le plus, se retrouvèrent sur le devant de la scène dans le sillage royal de Nirvana. Le titre phare de l'album Smells Like Teen Spirit passe en boucle sur MTV (au grand désespoir des membres du groupe) et devient un hymne encore aujourd'hui reconnaissable aux premiers accords de guitare. Le morceau est même sacré « hymne d'une génération » - la génération X. Le groupe (et en particulier son leader) semble avoir des difficultés à assumer ce succès démesuré qui contredit l'idéal musical punk et indépendant dans lequel l'univers de Nirvana prend sa source. Notons que le clip rend un hommage discret au groupe de hardcore américain Bad Brains.

Incesticide

En 1992 sort Incesticide, une compilation de faces B des singles sortis chez Sub Pop et des premières démos du groupe. Nirvana refusera de faire la promotion de cet album édité sans l'aval du groupe. Il contient néanmoins des titres très populaires parmi les fans comme Sliver ou Aneurysm, ainsi que plusieurs reprises de groupes peu connus comme The Vaselines. À noter que pour la première fois, la pochette de l'album sera illustrée par une création artistique originale de Kurt Cobain. Voir aussi que sur le squelette de l'album, on peut y voir le mot "cunt" ce qui veut dire "chatte" en français. C'était voulu, puisque Kurt a lui-même montré le mot dans son dessin.

In Utero

En 1993 sort In Utero, album volontairement plus délicat d'écoute et moins dirigé vers le grand public. Le disque obtient cependant un grand succès critique et commercial, au grand dam de Kurt Cobain qui ne rêve que de pouvoir retourner dans l'anonymat. Toutefois malgré le succès du single Heart-Shaped Box, l'album n'atteignit pas les chiffres de vente de Nevermind. Un autre single, Rape Me (« viole-moi »), créa un petit scandale, s'attirant les foudres de groupes féministes. Cobain, se proclamant lui-même féministe, affirma pourtant que la chanson se voulait en réalité opposée au viol. Par ailleurs, la tournée In Utero aux États Unis débuta le 18 Octobre 1993 pour s'achever le 8 janvier 1994, et fut suivie d'une tournée européenne interrompue à Munich le premier mars suite aux problèmes de santé de Cobain. Ce sera le dernier concert du groupe.

MTV Unplugged in New York

En novembre 1993, le groupe enregistre une session Unplugged (qui signfie littéralement « débranché ») dans les studios de MTV, qui deviendra un an plus tard un CD, dévoilant une toute autre face du groupe, la face acoustique, prouvant que Nirvana était plus qu'un groupe de rock violent. Dans ce live, Nirvana fait un duo avec le groupe Meat Puppets, reprenant trois de leurs titres : Plateau, Oh Me et surtout Lake of Fire et son magnifique solo. Le groupe reprend aussi une chanson de The Vaselines (Jesus Wants Me For A Sunbeam - renommé Jesus doesn't want me for a sunbeam) et un morceau de Leadbelly (Where Did You Sleep Last Night?). The man who sold the World, une reprise de David Bowie a aussi largement contribué à la renommée du groupe.

Mort du groupe

Le décès de Kurt Cobain le 5 avril 1994 mettra fin à l'aventure Nirvana. Sa disparition sera l'objet de vives interrogations et de nombreux fans préféreront croire à un assassinat (commis par sa compagne Courtney Love, chanteuse du groupe Hole) qu'à un suicide. Ce qui, bien sûr, n'a jamais été prouvé, les deux partis exposants quelques fois des "preuves" inexistantes ou inexactes pour étayer leurs propos.
Des rumeurs allaient bon train également concernant un divorce, le train de vie de Courtney et son goût pour l'argent et les belles choses (les chères choses) ne collant pas avec "l'idéal" de vie de Cobain, surtout à ce moment de sa vie où il n'avait envie-besoin que de tranquillité.

Le groupe parlait déjà depuis quelque temps de la fin de leur carrière musicale, mais tout le monde l'aurait voulue moins tragique…

2) Nirvana, duo prog rock baroque chamber britannique créé en 1967 par le musicien irlandais Patrick Campbell-Lyons et le compositeur grecque Alex Spyropoulos.
Leur premier album produit par Chris Blackwell en 1967et intitulé The Story of Simon Simopath est un des tout premiers concept album publiés.
Cet album étant enregistré avec des musiciens de studio, ils en embauchent quatre pour suivre leur tournée. Ceux-ci apparaissent sur les photos d'album pour donner l'image d'un groupe plutôt que celui d'un duo.
Le groupe apparait à la télévision française avec Salvador Dalí , qui les éclabousse de peinture noire durant leur interprétation de "Rainbow Chaser."
Campbell-Lyons ayant gardé la veste, a déclaré regretter que Dalí n'ai pas signé un de leurs vêtements éclaboussés de peinture. Island Records aurait envoyé une facture à l'artiste pour le nettoyage du violoncelle.
Après le succès mineur de "Rainbow Chaser", leurs apparitions en direct deviennent de plus en plus rares, ils publient encore deux albums, All Of Us (1968) puis Black Flower (1970) (produit sans Blackwell). En 1971, le groupe se sépare et Patrick Campbell-Lyons enregistre encore deux album sous ce nom, Local Anaesthetic (1971) et Songs Of Love And Praise ( 1972 ).
Le duo c'est réuni en 1985 pou une tournée en Europe conjointement à la sortie de l'album compilation Black Flower.
D'autres album sont publié au cours des année 90: Secret Theatre 1994 compilation de titres rares et de démos et Orange and Blue (1996) contenant du matériel inédit et dont version de "Lithium", reprise du fameux groupe homonyme…

En 1939, elle est petit rat à l'Opéra de Paris. Sa mère l'entraîne dans la résistance. Capturée, elle n'est pas déportée à cause de son jeune âge mais elle est emprisonnée à Fresnes. Une fois libérée, elle se retrouve sans ressources à Paris. Elle se rend alors chez la seule personne de sa connaissance résidant dans la capitale, Hélène Duc, qui fut son professeur de français à Bergerac et une amie de sa mère. Elle sait qu’Hélène habite rue Servandoni, près de l’église Saint-Sulpice. Hélène Duc la loge dans la pension où elle-même demeure et la prend en charge.

Le quartier de Saint-Germain-des-Prés est à deux pas de là et, en 1945, Juliette découvre le bouillonnement intellectuel de la rive gauche et la vie politique à travers les Jeunesses communistes. Elle décroche quelques rôles au théâtre (Victor ou les Enfants au pouvoir en novembre 1946) et travaille sur une émission de radio consacrée à la poésie.

En 1949, disposant d'un riche répertoire (de Jean-Paul Sartre à Boris Vian…), elle participe à la réouverture du cabaret le Bœuf sur le toit. Elle rencontre cette année-là Miles Davis dont elle tombe amoureuse.1 En 1951, elle reçoit le prix de la SACEM pour Je hais les dimanches. En 1952, elle part en tournée au Brésil et aux États-Unis dans la revue April in Paris.

En 1954, elle chante à l'Olympia. Elle rencontre son futur époux, le comédien Philippe Lemaire, sur le tournage du film Quand tu liras cette lettre de Jean-Pierre Melville. Ils divorcent en 1956 après la naissance de leur fille Laurence-Marie

Elle repart pour New York et ses interprétations des plus grands auteurs français enthousiasment les Américains. Hollywood la courtise. Elle rencontre le puissant producteur Darryl Zanuck sur le tournage du film Le soleil se lève aussi d'Henry King (1957). Il devient son compagnon, malgré les différences d'âge et de tempérament. Elle tourne dans quelques-unes de ses productions jusqu'en 1961 notamment sous la direction de John Huston et de Richard Fleischer avec Orson Welles comme partenaire respectivement dans Les Racines du ciel (1958) et dans Drame dans un miroir (1960).

De 1959 à 1963, elle se consacre à la chanson, découvre et fait découvrir de nouveaux talents : Jacques Brel, Serge Gainsbourg, Guy Béart et Léo Ferré.

En 1965, elle tient un rôle de premier plan dans le feuilleton télévisé Belphégor ou le Fantôme du Louvre.

En 1967, elle fait la connaissance de Michel Piccoli qui deviendra son mari. Ils se sépareront en 1977.

En 1968, elle inaugure la formule des concerts de 18 h 30 au Théâtre de la Ville à Paris. Elle y interprète une de ses plus célèbres chansons, Déshabillez-moi.

À partir de 1975, Gérard Jouannest, son pianiste et accompagnateur depuis 1968, compose la musique de ses chansons. Elle l'épouse en 1989. Elle fait de nombreuses tournées à l'étranger et plus fréquemment en Allemagne et au Japon.

Elle est faite Chevalier de la Légion d'honneur par le Premier ministre Laurent Fabius, le 23 octobre 1984.

Elle retrouve une fois de plus son public de l’Olympia en 1991.

Enregistre en 1993 un album sur des textes d'Étienne Roda-Gil et Julien Clerc.

Octobre 1993: récital à l'Olympia suivi d'une tournée.

1994 : retirage de l'album de 1993 augmenté d'une chanson : Le temps des cerises qu'elle présentera désormais dans tout ses récitals comme "une chanson d'amour donc une chanson révolutionnaire, et une chanson révolutionnaire donc une chanson d'amour".

1998 : après une absence discographique de 4 ans, elle enregistre pour les disques Meys un album entièrement écrit par Jean-Claude Carrière.

L'album est créé en public en récital au Théâtre de L'Odéon à Paris en mai 1999.

En 2003, elle retourne chez Polydor et enregistre un nouvel album sur des textes de Miossec, Marie Nimier et Jean Rouault, Benjamin Biolay et Gérard Manset. L'ensemble est mis en musique par Gérard Jouannest et François Rauber.

Elle retrouve l’Olympia en 2004.

En 2006 elle part pour New York enregistrer un album avec des musiciens de Jazz qui paraitra en France sous le titre "Le temps d'une chanson".

Elle le créee en public au Théâtre du Châtelet à Paris juste accompagnée d'un piano et d'un accordéon. Un bonheur.

Le 10 mars 2007, les Victoires de la musique la couronnent d'une « Victoire d'honneur » pour toute sa carrière. Pour la première fois, le 27 octobre 2007, elle donne un concert à la Salle Pleyel accompagnée d'une formation réduite.

En novembre 2008, elle enregistre en duo la chanson Roméo et Juliette avec Abd Al Malik (album Dante).

Fin 2008 début 2009, elle prépare un nouvel album réalisé à partir de textes d'Olivia Ruiz et d'Abd Al Malik.

Elle est membre du comité de parrainage de la Coordination française pour la Décennie de la culture de paix et de non-violence.

Influencé par la musique soul de Marvin Gaye et le jazz de Nat King Cole, c'est en 2010 que Gregory Porter sort son premier album, Water. Nommé aux Grammy Awards dans la catégorie Meilleur album de jazz vocal l'année suivante, le disque reçoit d'excellentes critiques. Acteur intermittent, le chanteur s'est notamment illustré à Broadway dans la comédie musicale It Ain't Nothin' But the Blues.

Discographie:
2010 : Water
2012 : Be Good
2013 : Liquid Spirit

Cette fée de la musique nous entraîne dans des contrées lointaines, un ailleurs où l’enfant qui est en nous refait surface. Musicienne de l’instinct, chacune de ses chansons crée un univers, chacune de ses chansons est comme un tableau qu’elle peint. Dans « le réveil », elle évoque le désir de vivre l’amour en plein jour, dans « Anna » la mort de l’enfance, alors que « la nuit des fous » et « la danse au loup » parle du manque physique et amoureux.

Si la musique a des pouvoirs, celle de Daphné à celui de nous emmener dans des histoires merveilleuses et des univers magiques. Avec son premier album, l’Emeraude - subtil mélange entre des orchestrations luxuriantes, quasi symphoniques, la pop, le trip hop, l’electro, les effluves salsa et rythmes sud américains - Daphné veut "toucher les gens qui ont arrêté de croire en leurs rêves, en leurs vies, qui ne pensent qu’à fuir…"

D’abord comédienne et actrice, (La Genèse, prix Un certain regard à Cannes 1996, de Cheick Oumar Sissoko, Sia : le rêve du Python de Kia Kouyaté, Prix spécial du jury au Fespaco, la pièce Antigone de Jean-Louis Sagot Duvauroux, en 2002, sa vie de femme et d’artiste prend un nouveau tournant quand elle intègre la plus grande compagnie de théâtre de rue au monde, Royal de Luxe et devient la chanteuse de la troupe.
En mai 2007, elle interprète le rôle de Karaba dans la comédie musicale Kirikou et Karaba tirée du célèbre dessin animé.
S’ensuivent une multitude de rencontres qui lui donneront l’opportunité de participer aux projets d’illustres artistes tels Dee Dee Bridgewater, Herbie Hancock, Hank Jones ou encore Cheik Tidiane Seick.
Auteur compositeur, elle se consacre aujourd’hui à la création d’un répertoire folk original et sensible.
Sa musique naît des atmosphères traditionnelles africaines et crée des parfums folks, à la fois doux et dansants. Son inspiration tire de la tradition du chant wassoulou ; le wassoulou étant l’un des courants de la musique mandingue, né dans une région historique du même nom en Afrique de l’Ouest, autour de la ville de Yanflia, à cheval sur le Mali, la Guinée et la Côte d’Ivoire.
En imbriquant la musique traditionnelle malienne avec les ambiances de jazz et de blues, grâce à l’implication de ses talentueux musiciens, la musique de Fatoumatou Diawara affirme à la fois sa contemporanéité et son universalité.